Dans la campagne anglaise, des murs de pierres gardent les moutons. Certains de ces murs ont été érigés il y a des siècles et ils forment des réalisations architecturales étonnantes. Les pierres plates ne sont pas uniformes. Leurs couleurs et leurs formes diffèrent, cependant elles s’accordent pour former un tout.
Les scènes de votre fiction ressemblent aux pierres dans ces murs anglais. Vous voulez conserver les formes et les émotions provoquées par vos scènes mais, quand vous reculez, elles devraient toutes aller ensemble. Vous ne voulez pas que des pièces anguleuses ou craquées au centre saillent. Si vous construisez chaque scène séparément et que chacune d’elles contribue à l’histoire de façon essentielle, votre histoire aura une structure solide. Mais si vous avez des scènes faibles, votre histoire pourrait s’effondrer.
Voici quelques techniques simples pour réviser des scènes afin que votre édifice résiste à l’épreuve du temps.

1. REVIVEZ VOS SCÈNES. Ne les réécrivez pas, revivez-les.
Vous êtes-vous déjà imaginé être un personnage ? Avez-vous essayé de sentir ce qu’ils sentent ? Essayez maintenant. Ce n’est pas difficile. Devenez acteur.
Souvent, après avoir écrit une scène, je la relis et j’essaye de vivre les émotions. Je joue les parties que j’ai créées. Après avoir « senti » les personnages, je rajoute ou je change presque toujours la scène.  Vous pouvez aussi imaginer la scène, pas à pas, dans votre esprit. Faites-la défiler comme un film. Mais au lieu de l’observer depuis un fauteuil de cinéma, soyez dans la scène. Les autres personnages ne peuvent pas vous voir mais vous, vous pouvez les voir et les entendre. Intensifiez le processus. Laissez les choses venir. Laissez les personnages improviser. Si vous n’aimez pas ce qu’ils font, rembobinez la scène et permettez-leur de faire autre chose.
Regardez le début de vos scènes. Que faites-vous pour accrocher le lecteur dès le départ ? Avez-vous passé trop de temps à décrire le cadre de l’action ? Souvent la meilleure façon de faire est de commencer par le milieu de l’action et de faire la description un peu plus tard.
Examinez la fin de vos scènes. Qu’avez-vous fait pour que le lecteur veuille continuer à lire ?

Voici quelques grands moments pour couper une scène :
*  Quand une décision majeure doit être prise,
*  Quand une chose épouvantable se produit,
*  Quand un mauvais présage va se réaliser,
*  Quand il y a un fort moment d’émotion,
*  Quand une question sans réponse immédiate est posée.
Continuez à améliorer vos scènes et vos lecteurs ne pourront bientôt plus lâcher votre roman.

2. RENFORCER LE CŒUR.
Demandez-vous quel est le cœur de votre scène. Quel en est le but ? Pourquoi existe-t-elle ? Si le cœur est faible ou peu clair, renforcez-le.

3. AJUSTER L’ALLURE.
Si vous devez accélérer une scène, le dialogue est une façon de le faire. Des échanges courts avec peu de répliques laissent beaucoup de blancs dans une page et donnent un sentiment de mouvement.
Dans le livre de Lawrence Block A Candle for the Bag Lady (Une bougie pour la dame au sac), une serveuse dit au détective privé Matt Scudder que quelqu’un le cherche. Elle finit sa description de l’individu en disant qu’il avait l’air « surbaissé ».
- Mot parfaitement exact.
- J’ai dit que vous arriveriez probablement ici, tôt ou tard.
- Je viens toujours. Tôt ou tard.
- Hum-hum. Vous allez bien, Matt ?
- Les Mets ont perdu de peu.
- J’ai entendu dire que c’était 13-4.
- C’est de peu pour eux, ces temps-ci. A-t-il dit de quoi il s’agissait ?

Pour ralentir l’allure d’une scène, vous pouvez ajouter des pensées et des descriptions, modifier le rythme de l’action ou bien allonger les discours. Dans l’histoire de Lawrence Block, un tueur se confesse à Scudder. Scudder lui demande alors pourquoi il a tué.
-Comme pour le bourbon et le café. C’est à voir. C’est à goûter pour savoir à quoi ça ressemble.
Ses yeux ont rencontré les miens. Les siens étaient très grands, creux, vides. J’ai eu envie de voir, à travers eux, directement la noirceur du fond de son crâne.
- Je ne pouvais pas penser à autre chose qu’au meurtre, dit-il.
Sa voix était plus sobre maintenant ; le ton espiègle, railleur avait disparu.
- J’ai essayé. Je ne pouvais juste pas le faire. C’était dans ma tête tout le temps et j’avais peur de ce que je pourrais faire. Je ne pouvais plus fonctionner, je ne pouvais plus penser, je voyais seulement le sang et la mort, tout le temps. J’avais peur de fermer les yeux, craignant ce que je pourrais voir. Je suis resté éveillé, plusieurs jours peut-être, et puis j’ai été assez fatigué pour effacer la minute où j’ai fermé mes yeux. J’ai arrêté de manger. J’étais assez gros et mon poids s’est tout simplement envolé.

4. ÉTIRER LA TENSION.
Ne gaspillez aucun bon coup de tension. Étirez-les. Rendez votre prose équivalente aux mouvements lents d’un film.  Mettez en valeur chaque rebondissement en utilisant tous les outils à votre disposition : pensées, actions, dialogue, description. Mélangez tout cela.
Dans la célèbre première scène de Whispers (Chuchotements), Dean Koontz met dix-sept pages pour décrire la tentative de viol du personnage principal. Lisez-le et apprenez.

5. COUPEZ OU RENFORCEZ LES SCÈNES FAIBLES.
Identifiez les dix scènes les plus faibles de votre travail. Vous devriez avoir une idée desquelles il s’agit. Utilisez votre instinct.  Quand vous avez parcouru votre manuscrit, vous avez senti une certaine déception en lisant certaines scènes, voire une franche déception.
Pour vous aider un peu plus, cherchez des scènes où :
* Les personnages ne font que se parler l’un à l’autre, sans beaucoup de conflit.
* La scène ressemble à l’installation d’une autre scène.
* Les motivations des personnages semblent peu développées.
* Il y a trop d’introspection.
* Il n’y a pas assez d’introspection pour expliquer les motivations des personnages.
* Il y a peu de tension ou de conflit entre les personnages.
* Il y a peu de tension ou de conflit chez un personnage
Identifiez vous-mêmes dix scènes faibles. Même si vous pensez qu’il n’y en a que cinq de vraiment faibles, notez-en cinq autres. Inscrivez les scènes dans l’ordre de leur faiblesse relative. La scène la plus faible sera la première. Écrivez ces numéros sur des post-it et marquez chaque scène faible du manuscrit. Maintenant, vous êtes prêts à travailler.

Suivez ces étapes :

ÉTAPE 1 : Enlevez la scène numéro un de votre manuscrit. C’est le maillon le plus faible. Au revoir.

ÉTAPE 2 : Déplacez à la scène numéro deux et répondez à ces trois questions :
A. Quel est l’objectif de la scène et qu’est-ce qui la fait tenir ? Autrement dit, par les yeux de qui voit-on la scène et après quoi le personnage court-il ? S’il ne court après rien, donnez-lui quelque chose vers quoi aller, ou couper la scène. Vous devez être capable d’exposer l’objectif du personnage clairement et sans équivoque. Vous devez aussi rendre cet objectif clair pour le lecteur dès le début de la scène ; le personnage doit soit l’exposer, soit le montrer à travers l’action.
B. Ensuite, quel est l’obstacle à cet objectif ? Pourquoi le protagoniste ne peut-il pas avoir ce qu’il cherche ? Il y a trois obstacles primaires que vous pouvez utiliser :
*Un autre personnage s’oppose à lui, consciemment ou inconsciemment.
*Le protagoniste lui-même est pris dans une bataille intérieure ou un manque d’une chose qui est sur son chemin.
* Une circonstance physique rend difficile ou impossible l’atteinte de l’objectif par le protagoniste.
C. Enfin, quel est le résultat de la scène ? Un personnage peut atteindre son objectif ou non. Pour accroître la tension, quelle solution pensez-vous être la bonne ? Non. Pourquoi ? Parce que les problèmes font partie de votre jeu, les problèmes produisent de la tension chez votre personnage et c’est ce qui pousse les lecteurs à lire. La plupart du temps, laissez le résultat être un négatif ou laisser au moins l’objectif partiellement inachevé.

ÉTAPE 3 : Répétez ledit processus pour les huit autres scènes dans votre liste.

Article de James Scott Bell, auteur de thrillers et de romans historiques à suspens, paru sur le site www.writersdigest.com

Au fil du temps, la poésie en vers est successivement à la mode ou démodée, à l’exception des poésies pour enfants qui doivent nécessairement être ponctuées de rimes amusantes et habiles.
Certains poètes font des rimes aisément, les sons roulent sous leur langue comme un couteau s’enfonce dans du beurre. D’autres luttent, jonglent entre l’alphabet et le feuilletage de dictionnaires des rimes juste pour trouver une rime aussi simple que « chat » et « rat ». Bien qu’écrire des poèmes puisse relever du défi pour certains, les poésies en vers sont toujours amusantes à écrire et plaisantes à lire, surtout à haute voix. Même quand faire des rimes n’est pas en vogue chez les poètes, c’est toujours un bon exercice pour explorer la langue et s’amuser en faisant des jeux de mots. Quand j’ai commencé à faire de la poésie, je me focalisais exclusivement sur les rimes et j’aimais les défis consistant à inventer des rimes intéressantes et inhabituelles pour finir mes vers. J’étais assez bonne à cela, même sans dictionnaire des rimes.
Dans le respect de la tradition des poèmes en vers, voici quelques exercices de poésie conçus pour vous aider à faire des rimes ; ils sont particulièrement amusants car il s’agit de jouer avec la musique. Nous commencerons par le cœur de l’exercice. J’aime l’appeler la rime et le rock. Ensuite, nous continuerons avec quelques variations que vous pourrez essayer de faire.

L’exercice du rock et des rimes
Tout dont vous avez besoin, c’est d’une chanson. Une bonne chanson, rythmique et qui rime, mais pas trop sophistiquée.  Il vous faut un air relativement simple. Obtenez pour une vieille chanson des Beatles ou à peu près quoi que ce soit qui date des années quatre-vingt. Le disco pourra faire l’affaire, si c’est le style que vous aimez, mais laissez de côté la musique classique (qui n’a pas de paroles la plupart du temps) car nous avons besoin de couplets. Nous sommes des auteurs, n’est-ce pas ? !
Vous pouvez commencer par une chanson populaire à trois accords, courte et simple. Vous pourrez  évoluer ensuite vers des airs plus longs et plus complexes. Si vous connaissez toutes les paroles de votre chanson, cela vous aidera beaucoup. Sinon, cherchez-les sur Google et vous les trouverez en deux secondes.
Prenez ces paroles et récrivez-les en essayant de faire correspondre vos rimes avec celles de la chanson. Essayer de faire correspondre autant de rimes que possible, pas seulement les rimes de fin de phrases ; faites un effort pour faire correspondre les rimes internes aussi. Vos rimes peuvent être aussi strictes ou aussi libres que vous voulez. Si vous commencez par en faire juste quelques-unes, assez rapidement faire des rimes vous viendra plus naturellement et elles couleront aisément.

Vous voulez voir comment je fais ? Voici ma tentative avec le premier couplet d’une chanson à succès des années quatre-vingt, 99 Red Ballons de Nena. Ce n’est pas très bon, je sais, mais c’est le mieux que j’ai pu faire en quelques minutes.

Version originale :
You and I in a little toy shop
Buy a bag of balloons with the money we’ve got
Set them free at the break of dawn
Till one by one they were gone
Back at base, bugs in the software
Flash the message: something’s out there
Floating in the summer sky
Ninety-nine red balloons go by

Ma tentative de suivre le rythme :
Shoes untied at a little bus stop
Sigh and whistle a tune ’cause it’s all that you’ve got
Set your feet on the fake green lawn
Tie your shoes and then you yawn
Flash the mace, thugs on the make here
Cash is precious: buy a cold beer
Waiting till the bus comes by
Mighty fine greasy spoon – let’s dine!

Autres exercices d’écriture de poèmes en vers
Voici quelques variations que vous pouvez utiliser pour l’exercice précédent :
- Essayez de le faire avec des comptines. Il pleut, il pleut bergère…
-  Essayez de le faire avec un poème célèbre. Y a-t-il des amateurs de Baudelaire ?
- Essayer de le faire en utilisant une chanson sans paroles. Vous êtes livrés à vous-mêmes !
Comme toujours, la chose la plus importante est de s’amuser et de relever le défi. Essayer de faire l’exercice seul tout d’abord mais, si éprouvez trop de difficultés, utilisez un dictionnaire de rimes pour vous aider.

Article de Melissa Donovan, poète, rédactrice de contenu web, paru sur le site www.writingforward.com

Une amie auteur m’a demandé l’autre jour : « Quand je lis, je constate que je suis influencé par d’autres auteurs. Selon ce que je suis en train de lire, mon style d’écriture est soit espiègle, soit très profond, soit autre chose de la sorte. Comment puis-je arrêter d’écrire comme d’autres auteurs et trouver ma propre voix ?« . Elle a également ajouté que je pourrais vouloir écrire un article basé sur ma réponse… et c’est ce que vous vous apprêtez à lire!

Avant d’aborder les recommandations pratiques, il nous faut revoir certaines opinions préconçues de bases concernant la voix.

Tout d’abord, votre voix ne devrait jamais être empruntée, résulter de quelque chose d’acquis sur lequel vous avez travaillé. Je pense que vous voyez ce que je veux dire. Quand nous sommes à l’école ou au bureau, on nous dit qu’il y a une façon de dire les choses, un style que nous devons adopter pour nous conformer aux conventions. Beaucoup d’auteurs novices pensent que cela s’applique aussi à la fiction, qu’il y a peut-être une attitude mentale prédéterminée et/ou un comportement qu’il faudrait adopter. Ils tendent à suivre habituellement un « supérieur », une version plus instruite d’eux-mêmes, qui semble avoir plus d’autorité pour raconter des histoires. Rien ne pourrait être plus éloigné de la vérité. Vous devriez toujours écrire dans le style qui vous est le plus naturel. Il peut être bien différent de votre voix orale mais il devrait toujours refléter la façon dont votre esprit fonctionne.

Deuxièmement, votre voix ne doit pas être « originale ». Vous pouvez perdre des années à vous demander ce qu’est « l’originalité », à essayer de définir ce concept et « l’acquérir ». Quand les critiques, les éditeurs et les agents littéraires disent qu’ils veulent de « l’originalité », je pense qu’ils n’ont aucune idée ce que cela veut dire. Ils égarent simplement les auteurs en exigeant d’eux quelque chose d’aussi nébuleux et indéfinissable. Je pense que ce qu’ils devraient vraiment demander, c’est  de « l’honnêteté ». En vérité, vous possédez déjà toute l’originalité dont vous avez besoin. Vous êtes déjà unique. Personne d’autre ne pense et n’écrit comme vous le faites. Essayer de détruire votre propre originalité en luttant constamment pour être quelqu’un d’autre est contre-productif. Ayez confiance en vous. Avoir confiance en soi est probablement la chose la plus difficile que vous devrez apprendre en tant qu’un auteur mais c’est indispensable pour votre croissance. C’est en effet uniquement quand vous aurez confiance en votre capacité à dire ce que vous voulez dire avec honnêteté et intégrité que votre voix commencera à percer. Le test réel d’une bonne voix d’auteur est la consistance ; c’est aussi fort et reconnaissable au début d’une histoire qu’à la fin.

Ainsi comment avoir cette consistance ? Comment « obtenir » vraiment votre voix ? Vous pouvez faire l’exercice « Trouver sa propre voix » dans la rubrique Style.

Article de Rob Parnell, romancier et scénariste, paru sur le site www.fictionfactor.com

Steven Goldsberry est romancier, professeur d’anglais à l’Université d’Hawaï et instructeur au Maui Writers Retreat. Voici 17 de ces principes « testés et véridiques » pour mieux écrire :

1. Ne finissez jamais sur votre meilleur texte. Commencez à travailler en partant de ce texte et dépensez-vous immédiatement dessus, ensuite voyez ce qui arrive. Plus le début sera bon, plus la suite sera bonne.

2. Le paragraphe d’ouverture, la phrase, la ligne, l’expression, le mot, le titre… le début est la partie la plus importante du travail. Le début donne le ton et fait que les lecteurs vous percevront comme un écrivain qui saura les mener.

3. Le premier devoir d’un auteur est de distraire. L’intérêt des lecteurs pour votre texte s’évanouira lors des énoncés et des théories philosophiques. Les lecteurs veulent être distraits mais ils se sentiront trompés si, en les divertissant, vous ne leur avez rien appris.

4. Montrer, ne racontez pas et n’exprimez pas d’opinion. « Pas l’idée de la chose mais la chose elle-même.« -Wallace Stevens

5. La voix est plus importante que l’image. « La poésie n’est pas une chose mais une façon de dire la chose. »-A.E. Housman

6. L’histoire est plus importante que quoi que ce soit. Les lecteurs (et les éditeurs*) se soucient beaucoup moins de la forme que du contenu. La question qu’ils se posent n’est pas, « Comment a fait l’auteur ?  » mais  » À quel point l’histoire est-elle bonne ? « 

7. Ces règles, poussées assez loin, se contredisent. Telle est la nature des règles dans l’art.

8. Tout texte raconte un conflit. Faites attention à la qualité des oppositions et aux lignes directrices. Le pouvoir des antagonistes doit égaler celui des protagonistes.

9. Changez souvent d’angle de vue. Variez la structure de la phrase et le type, sautez d’un lieu à l’autre, du passé au futur, faites un bon mélange de narration, de description, d’exposition et de dialogue.

10. Soyez attentif au choix des mots. Un mot seul, comme une goutte d’iode dans un litre d’eau, peut changer la couleur de votre manuscrit entier.

11. Fournissez aux lecteurs une fin. Les dernières phrases du roman doivent faire écho à quelque chose qui est arrivé plus tôt. La vie vient d’un cercle fermé.  » S’il y a un pistolet dans mon premier chapitre, le livre se finira sur un pistolet. »-Ann Rule.

12. À la fin du texte, le conflit doit atteindre une certaine résolution satisfaisante, pas toujours une « Happy end », mais quelque chose devrait être achevé.

13. Révisez, révisez, révisez. Vous n’excellerez jamais du premier coup. L’art se révélera dans la réécriture.

14. Évitez l’utilisation excessive d’adjectifs et des adverbes ; soyez précis dans les noms et dans les verbes. Pour ce qui est de la forme verbale : plus c’est court, mieux c’est. Évitez d’utiliser des verbes auxiliaires et des formes verbales progressives. Évitez la voix passive. Évitez les clichés et les expressions toutes faites.

15. Soyez intéressant dans chaque phrase. Soyez bref. Le premier éditeur d’Hemingway dans le Kansas City Star lui avait donné les indications stylistiques suivantes :  » Utilisez des phrases courtes. Utilisez des premiers paragraphes courts. Utilisez de l’anglais vigoureux. Soyez positif, pas négatif.  » Hemingway mentionnera plus tard cette liste comme étant celle des  » meilleures règles que j’ai jamais apprises en ce qui concerne l’écriture.« 

16. Si vous pouvez être mal lu, vous le serez.

17. Il n’y a pas de règles pour bien écrire. Ceux qui transgressent « les règles » avec succès sont de véritables artistes mais, tout d’abord, il faut les apprendre, les travailler et les maîtriser.  » Vous ne pouvez pas dépasser ce que vous ne connaissez pas. « -Sri Nisargadatta Maharaj.

* N-d-T : Les éditeurs Étasuniens…

Article de Steven Goldsberry, auteur de guides pratiques et de manuel d’écriture, paru sur le site www.writersdigest.com

Un écrivain qui veut amener son public à une conclusion devrait s’abstenir de lui mettre une laisse et de tirer trop fort dessus. En tant qu’êtres humains, vos lecteurs seront naturellement enclins à résister si vous leur dites ce qu’ils doivent penser, à moins qu’ils soient déjà parfaitement en phase avec vos opinions… et combien de fois cela se produit-il ?

Un auteur qui est très proche de son sujet, pour avoir souvent écrit dessus, est susceptible de ne pas remarquer que les faits qu’il présente sont ouverts à différentes interprétations. Si l’interprétation, ou le point de vue de l’auteur, est présentée comme la seule étant logique, les lecteurs dont les interprétations diffèrent (c.-à-d. possiblement une grande majorité du lectorat) peuvent être irrités, offensés ou pire. Comme disait Sherlock Holmes dans A Study in Scarlet « Je devrais pourtant savoir que lorsqu’un fait semble s’opposer à un long train de déductions, cela révèle invariablement qu’il peut être soumis à d’autres interprétations. ».

Techniques à utiliser et à éviter

Une bonne approche est d’établir une liste des faits de la manière la plus logique et cohérente possible, ensuite faites confiance au lecteur pour tirer les conclusions appropriées. Cette technique est particulièrement applicable à l’écriture de fictions dans lesquelles les personnages et le contexte sont présentés par le biais de descriptions, de dialogues et de mises en situation. Une des caractéristiques d’un auteur de fictions peu élaborées est sa dépendance aux éléments narratifs qui disent carrément au lecteur, en une phrase ou deux, ce qu’il doit penser d’un personnage ou d’un lieu de vie, au lieu de fournir des éléments qui amèneraient le lecteur à la conclusion souhaitée dans un passage descriptif plus long ou dans une mise en situation. Par exemple, plutôt que de dire: « Les Smith avaient des goûts de gens du peuple », l’écrivain pourrait décrire la manière dont la maison de la famille Smith a été décorée.

Lorsque vous devez indiquer explicitement des conclusions, assurez-vous de les présenter de manière neutre et en respectant l’indépendance du lecteur de les accepter ou non. Faites confiance à la fois à votre pouvoir de persuasion et au sens commun de votre public.

Évitez de faire des jugements de valeur basés sur certains faits ou sur certaines conclusions. Les valeurs seront mieux jugées par chaque lecteur, de façon indépendante. Par exemple, un article de journal qui mentionne que : « Les élèves du lycée Smith ont obtenu les meilleurs résultats des lycées de la ville. L’école est également régulièrement notée comme étant « meilleure que la plupart des autres » par une majorité de ses diplômés. » n’est pas suivi par un énoncé du type : « Le lycée Smith est le meilleur de la ville. » La question qui ne manquerait alors pas d’être posée serait : « Meilleur en quoi ? ». Le lycée pourrait être le meilleur au niveau académique ou peut-être est-il tout simplement situé dans un quartier riche. Peut-être que d’autres écoles ont de meilleurs programmes de rattrapage en lecture, des clubs de sport, de théâtre et d’échecs. La valeur, comme la beauté, est dans l’œil de celui qui la voit.

Évitez de placer d’office le lecteur de votre côté dans une attitude de « Nous contre les autres » en utilisant des formules comme : « Nous pouvons voir que… », « Nous recommandons que …. ». Des déclarations comme celles-ci impliquent vaguement la supériorité du « nous » (auteur), qui dicte le « ils » (lecteurs). Réécrivez ces déclarations pour souligner les avantages d’être d’accord avec les conclusions ou les conseils présentés. Par exemple, plutôt que d’utiliser « Nous recommandons de placer le Whizzbang sur une surface plane et dure », essayez « Pour un meilleur fonctionnement, placez le Whizzbang sur une surface plane et dure ».

Exceptions

Enfin, ne tenez pas compte de la plupart des conseils précédents quand il s’agit d’écrire des mises en garde ou des avertissements sur des matières, des produits ou de procédés dangereux. Dans ce cas, il faut être franc et explicite sur le danger, vous devez vous assurer que le lecteur comprenne les conséquences s’il n’écoute pas les conseils fournis, et vous devez mettre l’accent sur la crédibilité du « nous » (expert) qui donne des conseils aux  « ils » (supposés novices) en indiquant votre position, le cas échéant.

Article extrait de la bibliothèque documentaire Writer’s block, paru sur le site www.writersblock.ca

Temps nécessaire : 1 heure.

Énoncé :
1. Choisissez une scène particulièrement convaincante ou problématique d’une production en prose que vous avez écrite récemment à la première personne.
2. Récrivez cette scène à la troisième personne. Prenez votre temps. Faire des choix stratégiques peut être nécessaire pour réaliser ce travail. Réfléchissez bien au point de vue à la troisième personne que vous voulez utiliser ; il pourra être omniscient ou limité. Pour passer de la première à la troisième personne, il peut être plus facile d’adopter un point de vue limité tout d’abord.
3. Observez comment le changement de point de vue change le ton et le ressenti produit par  l’histoire. Quelles libertés avez-vous avec ce narrateur que vous n’aviez pas auparavant ? De même, y a-t-il des limites dans l’utilisation de ce point de vue ?
4. Faites une liste de trois ou quatre avantages que vous trouvez à ce nouveau point de vue. Comment cette nouvelle voix aide-t-elle à développer l’intrigue et/ou à étoffer le personnage.
5. Faites une liste des limites produites par ce point de vue à la troisième personne en ce qui concerne cette scène particulière. Est-ce la façon la plus efficace de raconter cette histoire ? À quel moment a-t-il été plus difficile de développer votre héros à la troisième personne ? Avez-vous été obligé d’utiliser d’autres techniques pour révéler votre personnage ? La voix était-elle plus forte ou plus faible ? Si elle était plus faible, est-ce que le compromis en valait la peine ?
6. Si le nouveau point de vue fonctionne bien pour cette scène, envisagez de changer la perspective de l’histoire dans son ensemble. Autrement, revenez à votre version originale.

Astuces :
1. Même si adopter un point de vue à la 3^ème personne n’a pas amélioré cette scène particulière, restez ouvert à cette éventualité pour vos futurs écrits. Utilisez les leçons apprises dans cet exercice pour évaluer le point de vue dans toutes les fictions que vous écrirez.
2. Lorrie Moore(2) donne une bonne explication à ses choix de point de vue : « Parfois, l’utilisation de la première personne est nécessaire pour observer les autres (pas le protagoniste) en utilisant une voix qui bâtie simultanément un personnage (souvent le protagoniste). D’autres fois, l’utilisation de la troisième personne est nécessaire pour observer le protagoniste en adoptant une voix (un ton) qui n’est pas celle d’un personnage mais celle de l’histoire. »

Ce dont vous aurez besoin :
- D’une scène d’une histoire récente ou d’un roman.
- D’un ordinateur ou de papier et d’un stylo.
- D’un endroit calme pour travailler.

N-d-T :
1. Introduction rédigée par le traducteur
2. Lorrie Moore est un écrivain de fiction américaine connue pour ses nouvelles poignantes et humoristiques.

Article de Ginny Wiehardt, journaliste et animatrice d’ateliers d’écriture, paru sur le site http://fictionwriting.about.com

Un lecteur a demandé ce que nous pensions du commentaire : « De bien des façons, bien écrire est une question d’opinion. ». La réponse à cette question n’est pas simple.

« Opinion » est un mot glissant…donc bon !
Certaines opinions sont fondées sur des faits, la connaissance et l’expérience. D’autres avis ne sont basés sur rien d’autres que le caprice, la rébellion ou l’ignorance. J’avais une élève de 16 ans qui me contredisait quand je lui disais d’arrêter d’utiliser « Moi » comme sujet d’une phrase. Je suppose qu’elle estimait que l’utilisation correcte de ce pronom était « une question d’opinion ».

Quant à « Bien écrire », qu’est-ce que cela veut dire exactement ?
Chaque texte a un but. Le degré d’atteinte du but visé est ce qui détermine si le texte est « bon » ou non. Depuis que Reynolds Tobacco a défié les normes avec son slogan « Winston est aussi bonne comme une cigarette devrait l’être » (1) dans les années cinquante, l’anglais non conforme à la langue correcte est devenu un crochet sur lequel s’accroche des messages publicitaires destinés aux jeunes qui aiment se considérer comme étant « cool » et défiant les conventions. La devise d’Apple « Pense Différent ! » (2) est grammaticalement fausse, mais elle fonctionne en tant que slogan publicitaire. Est-ce cela « bien écrire » ? Les publicitaires et leurs services de comptabilité le pensent probablement.

Ce qu’est une « bonne écriture » dépend du but et l’auditoire visés.
À moins qu’il n’y ait une raison artistique ou commerciale de transgresser les règles normatives, une « bonne écriture » est grammaticalement correcte. Je ne blâmerai cependant pas un auteur de romans policiers ou un blogger pour avoir un style plus familier que ce que je m’attendrais à trouver dans une biographie ou un livre sur la philatélie.
Dans le roman Des fleurs pour Algernon (3), le personnage principal, Charlie, écrit d’une manière semi-analphabète au début puis il évolue en adoptant une écriture instruite avant de régresser vers son premier style. Ceci est une « bonne écriture » qui transgresse les règles de l’anglais standard pour obtenir un effet artistique.
Un article de journal au vocabulaire pauvre et criblé d’adjectifs mal placés n’est pas « bien écrit » même si l’auteur a un diplôme en journalisme et même si le lecteur peut comprendre l’histoire racontée.

Les bons auteurs produisent de bons écrits. Un bon auteur connaît les règles normatives de la langue et ne les viole jamais involontairement.

N-d-T :
1. Des fleurs pour Algernon, roman de Daniel Keyes
2. « Winston Tastes Good Like a Cigarette Should »
3.  « Think different ! »

Article de Maeve, professeur universitaire d’anglais, rédactrice publicitaire, romancière publiée sous le nom de Maddox, paru sur le site www.dailywritingtips.com

Exercice 1 :
Ce chimpanzé vous regarde. Qu’essaie-t-il de vous dire ? Que lui répondez-vous ?

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Exercice 2 :
Observez les mains de quelqu’un (vous pouvez faire appel à votre mémoire ou à votre imagination). Décrivez-les de façon aussi complète que possible. Notez leurs formes, la texture de la peau, les bijoux ou les déformations. Quels indices ces mains vous donnent-ils sur la vie de la personne à qui elles appartiennent ?

Exercice 3 :
Partez de ces quelques lignes d’un roman bien connu et imaginez la suite que vous voulez :
« Elle avait trouvé un bijou au fond d’elle-même et elle avait voulu se promener là où les gens pourraient voir briller son éclat… »
Pour savoir d’où cette phrase est tirée, rendez-vous en fin d’article après avoir écrit votre texte!

Exercice 4 :
Qu’est-ce que ce perroquet est en train de dire au chat ? Et que lui répond le félin ? Après avoir écrit le dialogue, écrivez le « sous-texte » (ce que veulent ou pensent vraiment ces animaux) ou ce que les humains que l’on ne voit pas sur l’image pensent/font.

.
Exercice 5 :
Décrivez un aliment en utilisant tous vos sens. Vous l’observerez, bien sûr, mais vous en décrirez également la texture, l’odeur et le goût. Puis décrivez à nouveau cet aliment, mais d’une manière qui le rend dégoûtant : comme un végétarien qui regarderait un gros steak juteux, par exemple.

* Cette phrase est extraite de Their Eyes Were Watching God de Zora Neale Hurston.

Exercices de Meredith Sue Willis, auteur et professeur, paru sur le site  www.meredithsuewillis.com

Améliorez votre utilisation des points de vue et des voix

Cet exercice est vraiment amusant : Prenez une histoire célèbre que vous connaissez bien et réécrivez-la à la première personne, du point de vue de l’un des personnages dont l’importance dans l’histoire est mineure.
À quoi l’histoire de Cendrillon ressemblerait-elle si elle était racontée du point de vue de l’une de ses méchantes demi-sœurs ?
Ou essayez de raconter l’histoire de Blanche-Neige en prenant tour à tour chacun des Sept Nains comme narrateur. Simplet et Grognon verraient-ils les choses de  la même façon ?
Soyez fidèle à la sensibilité du narrateur dans le ton que vous utiliserez : fâché, jaloux, effrayé, joyeux, indifférent, etc.

Améliorez les descriptions de vos personnages

Décrivez un enfant par les objets dans sa chambre à coucher. Vous pourrez le faire des deux manières suivantes :
1) En montrant l’enfant dans sa chambre et en racontant son histoire à la première ou à la troisième personne du singulier.
2) En décrivant l’enfant du point de vue d’un personnage extérieur qui regarde la chambre quand l’enfant n’est pas là.
Essayer de donner une idée des caractéristiques physiques de l’enfant en partant de ce qu’il possède. Il est tentant d’avoir recours à des  stéréotypes lorsque l’on crée un personnage : le sportif, le meneur, l’intellectuel. Pour sortir de ce piège, essayez de commencer par créer un héros stéréotypé, puis ajouter dans la chambre quelques objets auquel le lecteur ne s’attendra pas. Ainsi, peut-être que le sportif aura toujours les ours en peluche préférés de son enfance, le meneur pourrait avoir une collection de livres de philosophie et l’intellectuel pourrait posséder un sac plein de matériel  de hockey sur glace.

Article de Laura Backes et Jon Bard extrait de Career Starter beginner’s guide, paru sur le site www.write4kids.com

De nombreux auteurs écrivent de la poésie. Aucune formation, aucune expérience, aucun diplôme n’est en effet requis. Tout ce qu’il faut pour commencer, c’est un stylo et du papier. Mais il y a une grande différence entre écrire de simples poèmes et faire de la poésie de qualité. Il y a un grand nombre d’opinions exprimées sur la poésie et les divergences sont particulièrement sensibles quand l’approche propre au métier est au centre de la question. Certaines personnes écrivent pour le simple plaisir de s’exprimer, d’autres ont un but différent en tête : être publié. Beaucoup se situent entre les deux ; ils écrivent pour le plaisir tout en ayant la volonté constante d’améliorer leur travail dans l’espoir d’être publié un jour.

Prenez la poésie au sérieux
Voici cinq éléments clefs qui vous aideront à améliorer vos écrits poétiques, si vous les prenez au sérieux et que vous vous entraînez régulièrement :

1. Lisez des poèmes. Pour évoluer en tant qu’auteur et particulièrement en tant que poète, il est impératif de vous familiariser avec le canon des travaux qui ont déjà trouvés un écho chez les lecteurs. En cherchant des poètes établis que vous admirez, vous vous construirez une liste de mentors. Essayez de lire leurs poèmes à voix haute. Ayez à portée de main un bloc-notes ou un cahier dans lequel vous pourrez écrire vos pensées, des extraits de vos poèmes préférés et vos réponses aux différents écrits que vous aurez lus.

2. Écrivez régulièrement et autorisez-vous à être mauvais. Écrire des poèmes régulièrement va presque de soi, cependant beaucoup de poètes débutants ont tendance à prendre leur stylo seulement quand ils sont d’humeur à le faire. Si vous exercez votre créativité tous les jours, écrire des poèmes deviendra habituel et s’enracinera dans votre routine quotidienne. Vous autoriser à écrire mal ou au-dessous de vos standards de qualité vous donnera une liberté dans votre écriture et des pistes à explorer.

3. Étudiez. De nombreux livres expliquent les règles de la poésie et explorent différents termes et définitions comme l’allitération, le pentamètre iambique et le trochée. De tels livres fournissent des analyses détaillées et présentent de nouvelles façons de lire et de faire de la poésie (…).

4. Exercices d’écriture. Il est facile de s’asseoir et d’écrire juste un poème. Les exercices d’écriture offrent des défis, de nouvelles façons de penser et d’être créatif. J’ai fait beaucoup d’exercices d’écriture qui m’ont non seulement aidés à produire certains de mes poèmes préférées, mais qui m’ont aussi appris à aborder la poésie de façon novatrice et plus imaginative.

5. Révisez. La révision de votre travail va de pair avec la possibilité que vous vous accorderez d’écrire de mauvais poèmes. Vous pourrez toujours revenir en arrière et faire des changements. J’ai entendu des gens dire qu’une fois qu’ils avaient écrit un poème, ils en avaient terminé avec leur travail. Ces personnes pensent que l’art est dans la création originale et que l’on ne devrait jamais rien retoucher. À cette façon de voir la poésie comme une œuvre d’art, s’oppose une autre philosophie qui considère la révision comme étant nécessaire à la vraie liberté créatrice. Si vous vous dites que vous pouvez revenir en arrière pour faire des changements, vous vous donnerez plus de liberté dans votre écriture initiale et vous ouvrirez la voix à de plus grandes possibilités créatrices.

La poésie est une aventure
Écrire des poésies vous embarquera dans une exploration passionnante de la langue si vous ne résistez pas. Beaucoup d’auteurs de fiction et de littérature non-romanesque travaillent la poésie pour améliorer leur maniement de la langue et des images, même s’ils n’écrivent ni ne publient de poésies pour le grand public.
La poésie nous apprend à enrichir notre vocabulaire et à produire des images vives dans nos écrits. Elle ne parle pas à la partie droite ou gauche du cerveau, mais à une conscience humaine plus profonde.
Quand on commence à écrire des poèmes, les textes produits sont souvent maladroits. On peut des poèmes mignons, idiots, absurdes ou qui captiveront les lecteurs, mais avec de la pratique et des efforts, vos poésies s’enrichiront et deviendront fascinantes aussi bien pour vous, auteurs, que pour vos lecteurs.

Article de Melissa Donovan, poète, rédactrice de contenu web, paru sur le site www.writingforward.com

Les exercices suivants ont pour objectif d’encourager l’auteur à penser de façon moins conventionnelle et stéréotypée à la manière dont les personnages fictifs agissent, et au fait que leurs motivations soient liées, ou non, à leur apparence et à leur environnement culturel. Le but final est de décourager les auteurs de faire confiance aux archétypes et aux stéréotypes pour développer un personnage.

Exercice 1.
Avec un ami, passez quelques minutes à observer des gens dans un endroit public. Choisissez une personne que vous voyez et écrivez une description physique détaillée de cette personne. Écrivez ensuite rapidement le passé de cette personne ; il s’agit de faire un bref résumé de sa formation, de sa vie personnelle et professionnelle, etc. Puis imaginez une situation intéressante dans laquelle la personne pourrait se trouver.
Pendant ce temps-là, votre ami devra faire la même chose avec une personne différente. Quand vous aurez fini, échangez les descriptions physiques ou le passé de ces personnes, puis écrivez une autre scène ou une nouvelle sur une situation intéressante dans laquelle cette personne pourrait se trouver en utilisant les éléments que vous avez désormais.
Votre perception de la façon dont un personnage pourrait se comporter a-t-elle changée consécutivement aux changements physiques et vestimentaires du personnage ?

Exercice 2.
Les opinions préconçues que nous avons sur nos propres personnages sont largement basées sur des conventions que nous tirons du contexte culturel, de l’époque, du moment ou de l’endroit, etc. dans lequel l’histoire se déroule.
Réécrivez une partie d’une nouvelle que vous avez écrite (juste une scène), en plaçant le récit soit dans un endroit différent, soit dans une autre culture et/ou à un autre moment, en vous basant sur ce que vous savez de cet endroit ou de cette époque. Bien sûr, ce ne sera pas toujours faisable si l’histoire originale dépendait lourdement d’un contexte historique/géographique.
Comment votre perception de vos personnages a-t-elle changée ? Qu’avez-vous appris d’eux ? Dans quelle mesure le récit original a-t-il survécu à la transposition ?

Article paru sur le site du Centre d’écriture de l’université de l’Iowa www.uiowa.edu

Le point de vue est la perspective depuis laquelle on raconte une histoire. On peut vouloir raconter une histoire à :
- La première personne du singulier ou du pluriel ( »je » ou « nous »),
- La troisième personne du singulier ou la forme impersonnelle ( »il », « elle », « cela »). Ce point de vue peut être soit limité, soit omniscient,
- La deuxième personne du singulier ou du pluriel ( »tu » ou « vous »). C’est le point de vue le moins courant.
En tant qu’auteur, vous devez penser à choisir de façon stratégique le point de vue qui vous permettra de développer le plus efficacement possible vos personnages et votre histoire.

Le point de vue à la première personne.
L’utilisation de la première personne limite le lecteur au point de vue d’un seul personnage. Dans un livre comme Sur la Route ⁽¹⁾ par exemple, l’utilisation du « Je » nous transporte directement dans une voiture avec Sal Paradise et Dean Moriarty. Nous suivons chacune des pensées exaltées de Sal tandis que la bande pérégrine à travers les États-Unis. Il existe également des narrateurs non fiables ⁽²⁾ employant la première personne comme dans le livre de Chang-rae Lee Les sombres feux du passé ⁽³⁾.

Le point de vue à la troisième personne.
Bien que l’utilisation de la première personne puisse être puissante, comme l’illustrent les exemples ci-dessus, la troisième personne est en réalité le point de vue le plus flexible. La troisième personne vous permettra de créer un univers beaucoup plus riche, plus compliqué que la première personne. Un livre comme Anna Karenine ⁽⁴⁾, par exemple, ne pourrait avoir été écrit que de ce point de vue.

Essayez un nouveau point de vue.
Les auteurs débutants ont tendance à avoir recours à la première personne parce que c’est plus facile ou parce qu’ils parlent d’eux-mêmes. Cependant même si votre histoire est autobiographique, vous pouvez essayer d’employer la troisième personne. Faire cela vous aidera réellement à voir votre histoire de façon plus neutre et vous permettra donc de la raconter plus efficacement. Au début, il peut être plus facile d’utiliser un point de vue limité qui se rapprochera de celui d’un récit rédigé à la première personne. Puis, à mesure que votre intrigue se compliquera, vous pourrez ressentir le besoin d’utiliser plus d’un point de vue et commencer à utiliser une perspective omnisciente.

Si vous vous heurtez à un mur en racontant une histoire ou en écrivant un roman, pensez à changer de point de vue. Pour la plupart des gens, cela impliquera de passer de la première à la troisième personne. Les auteurs débutants pourraient gémir à l’idée de réécrire une histoire entièrement mais, pour des auteurs professionnels, une telle expérience fait partie de l’apprentissage. Si c’est la première fois que vous songez à effectuer un tel changement, effectuer un exercice de point de vue dans la rubrique Style vous aidera à surmonter vos difficultés.

N-d-T :
1. Sur la Route, roman de Jack Kerouac.
2. Un narrateur non fiable parle de façon biaisée, erronée (voire en mentant), soit par intérêt personnel soit par ignorance.
3. Titre original : A gesture life.
4. Anna Karenine, roman de Léon Tolstoï

Article de Ginny Wiehardt, journaliste et animatrice d’ateliers d’écriture, paru sur le site http://fictionwriting.about.com

Voici d’autres exercices pour vous aider à maîtriser les dialogues et à les utiliser comme outils dans vos écrits :

1. Écrivez un dialogue sans utiliser d’adverbes et d’adjectifs. Notez juste une conversation comme si elle se déroulait naturellement. Après avoir achevé ce dialogue, ajoutez des descriptions narratives, mais pas de marqueurs de dialogue comme « dit-il, hurla-t-il ou ordonna-t-il ». Au lieu de cela, essayez de travailler le dialogue dans l’action comme une progression logique de déclarations. Enfin, ajoutez les marqueurs de dialogue indispensables mais n’utilisez que des formes simples comme « a dit » et « a demandé ». De nouveau, mettez seulement ces marqueurs si vous ne pouvez pas faire autrement. Comparez ce dialogue à la conversation que vous avez écrite précédemment et notez les changements que vous aimez ou non.

2. Écrivez une scène dans laquelle une personne raconte une histoire à quelqu’un d’autre. Assurez-vous d’écrire cette scène comme un dialogue et non pas comme un récit à la première personne. Une personne doit clairement raconter une histoire pendant qu’une autre l’écoute en posant des questions  et en faisant des commentaires. Le but de cette scène est d’avoir à la fois une histoire autonome et de pouvoir se focaliser sur les réactions des personnages comme éléments centraux de la scène.

3. Écrivez une scène dans laquelle une personne en écoute deux autres qui discutent ou qui se disputent. Par exemple, un enfant écoute ses parents se disputer sur des questions financières. Le troisième personnage racontera la dispute en expliquant ce qui se passe, mais ce sera aux deux acteurs de la dispute de fournir entièrement le dialogue. Il n’est pas nécessaire que le narrateur comprenne  complètement la discussion. La mauvaise communication est un aspect majeur de dialogue.

4. Écrivez une conversation entre deux menteurs. Donnez à tout ce qu’ils disent une signification double ou triple. Ne dites pas et n’indiquez jamais dans une description extérieure que ces deux personnes mentent. Laissez le lecteur le comprendre exclusivement par le dialogue. Essayez de ne faire quelque chose de trop évident, comme d’avoir l’un des personnages accusant l’autre de mentir. C’est trop facile.

5. Écrivez une conversation dans laquelle aucun personnage ne dit pas plus de trois mots par ligne de dialogue. De nouveau, évitez d’utiliser des béquilles comme d’expliquer tout ce que les interlocuteurs disent par la narration. Utilisez les éléments narratifs pour rehausser la scène, pas pour expliquer le dialogue.

6. Écrivez un récit ou une scène dans laquelle plusieurs personnages prennent activement part à une conversation. Cela peut être un aspect du dialogue difficile à maîtriser, parce qu’à chaque personnage supplémentaire, le lecteur doit être capable de garder la trace des motivations et des intérêts des individus impliqués. Cela peut être particulièrement difficile quand deux répliques sont interrompues par un moment d’action ou par de la description. Notez combien de personnages vous pouvez insérer dans la scène, sans qu’ils soient passifs ou que leur présence manque de sens.

Article de  J.C. Hewitt, écrivain, paru sur le site www.poewar.com

Le dialogue est l’un des aspects les plus difficiles de l’écriture à maîtriser. Il y a beaucoup de pièges à éviter ; en voici quelques-uns :

- Employer un langage guindé (le dialogue ne ressemble pas au discours naturel).
- Le remplissage (le dialogue ne fait pas avancer la scène et n’approfondit pas la compréhension des personnages).
- Exposer (le dialogue comprend un personnage qui explique l’intrigue ou répète des informations destinées aux lecteurs).
- Nommer (un personnage utilise le nom de quelqu’un d’autre pour établir son identité. Les gens ne prononcent presque jamais les noms des autres et, s’ils le font, c’est un trait de caractère typique d’un vendeur de voitures d’occasion).
- Abus de marqueurs de dialogue (trop de marqueurs de dialogue sont utilisés, comme : crier, s’exclamer, pleurer, chuchoter, balbutier, supposer, insinuer, protéger et un million d’autres. Les marqueurs de dialogue comme ceux-là peuvent parfois être utiles, mais ils sont souvent ennuyeux et servent de béquille à un dialogue mal conçu).

Voici quelques exercices pour vous aider à maîtriser les dialogues et à les utiliser comme des outils dans vos écrits :

1. Notez les choses que vous dites pendant la journée. Examinez le modèle de vos propres discours. Vous ne devrez pas retranscrire chaque mot mais vous pourriez constater que vous dites moins de choses que vous ne le pensez et que vos déclarations sont étonnamment courtes. Vous pourriez aussi constater que vous parlez rarement en faisant des phrases complètes.

2. Trouvez un endroit animé comme un restaurant, un bar ou un centre commercial et notez les petits bouts des conversations que vous entendrez. Évitez d’essayer de retranscrire des conversations entières, suivez juste le cours d’un échange bref et écoutez ensuite quelqu’un d’autre. Si vous avez peur de paraître suspect, vous pouvez utiliser un bloc-notes électronique de type Smart phone ou PDA. Ces outils d’espionnage très pratiques vous feront passer pour des hommes d’affaire ou des amateurs de jeux électroniques et non pour des indiscrets.

3. Testez plusieurs réponses à une même question. Pensez à une question qui exigera au moins un peu de réflexion et posez-la plusieurs personnes différentes. Comparez leurs réponses. Rappelez-vous que vous devez vous concentrer sur les mots qu’ils utilisent. Notez-les dès que vous pourrez.

4. Enregistrer plusieurs émissions de télévision différentes, telles que : des sitcoms, le journal, des films, des talk-shows, des publi-reportages, des événements sportifs, etc. Transcrivez-les en utilisant juste les répliques des dialogues et les noms des interlocuteurs. Si vous ne connaissez pas leurs noms, utilisez juste un élément descriptif comme « le présentateur » ou « la femme rousse ». Vous pouvez aussi transcrire deux programmes du même genre : un que vous aimez et un qui ne vous plaît pas. Comparez les dialogues entre les films et les autres programmes que vous aurez enregistrés. Cherchez des choses comme : des salutations, des descriptions d’actions physiques, des phrases complètes, de l’argot, des tics de langage (tels que : vous voyez, uhhhh, eh bien, etc.). Comparez comment ces « béquilles de dialogue » changent en fonction du programme et de sa qualité.

5. Réécrivez sous forme de prose un ou plusieurs dialogues issus des programmes télévisés de l’exercice 4, en essayant de reproduire l’émission aussi précisément que possible. Notez si travailler un dialogue entier d’un programme vous a semblé facile ou difficile. Semble-t-il couler naturellement ? Se lit-il lire bien ou non ? Réécrivez de nouveau ce dialogue en éliminant tout ce qui vous semble inutile. Essayez de ne changer aucune réplique jusqu’à votre texte final. Travaillez avec ce que vous avez. Rappelez-vous que vous ne devez pas nécessairement réécrire l’émission entièrement. Faites-en juste assez pour être sûr que vous en avez saisi l’essentiel.

6. Réécrivez l’une des transcriptions de l’exercice 4 en utilisant autant de dialogues que possible, mais en changeant la scène de toutes les façons envisageables. Changez l’agencement, les intentions des interlocuteurs et le ton qu’ils utilisent. Voyez combien il est aisé ou difficile de donner une intention différente aux mêmes mots. Comme précédemment, faites-en juste assez pour être sûr que vous en avez saisi l’essentiel.

Article de J.C. Hewitt, écrivain, paru sur le site www.poewar.com

Écrire des dialogues réalistes n’est pas aisé pour tout le monde. Un dialogue réussi fait avancer l’histoire et étoffe les personnages tout en fournissant une pause lors de longs énoncés.
Cependant, de même que le dialogue réaliste est l’un des outils les plus puissants à la disposition d’un auteur, rien n’ennuie plus rapidement le lecteur qu’un mauvais dialogue. Développer une bonne oreille prend du temps mais observer les règles simples et les pièges à éviter présentés ici peut faire une différence énorme.

1. Écoutez comment les gens parlent.
Avoir « le sens » des discours naturels est essentiel pour écrire de bons dialogues. Commencez par faire attention aux expressions que les gens utilisent et à la musique de leurs conversations quotidiennes. Cet exercice demandera à être fait de façon plus formelle mais, en général, il est utile de commencer à exercer son oreille en faisant attention à la façon dont les gens parlent.

2. Les discours réalistes ne sont pas tout à fait « réels »…
Mais le dialogue devrait se lire comme si c’était un discours réel. Comment faire cela ? Alfred Hitchcock disait qu’une bonne histoire était  » la vie, avec les parties mornes en moins. » Cela s’applique parfaitement au dialogue. La transcription d’une conversation serait totalement ennuyeuse à lire. Couper les mots de remplissage et les répliques fastidieuses, c’est-à-dire tout ce qui ne contribue pas à faire avancer l’histoire.

3. Ne donnez pas trop de renseignements d’un coup.
Le lecteur ne doit pas avoir l’impression qu’on le gave de faits importants. Laissez l’histoire se dérouler naturellement. Vous n’avez pas à tout dire d’un coup ; faites confiance au lecteur pour se rappeler des détails de l’histoire.

4. Entrecoupez les dialogues d’action.
Rappelez à votre lecteur que les personnages sont humains en situant les dialogues dans le monde réel. Des détails physiques aident également à couper les répliques sur une page : les longues parties dialoguées sont plus faciles à lire par l’œil humain quand elles sont coupées par de la description, et vice versa.

5. N’exagérez pas les marqueurs de dialogues.
Aller trop au-delà des « dit-il/elle » attire l’attention sur les marqueurs, or vous voulez que l’attention du lecteur soit centrée sur votre brillant dialogue, pas sur votre capacité à penser aux synonymes de « dire ».

6. Stéréotypes, blasphème et argot.
Faites attention à ne pas tomber dans les stéréotypes et le blasphème ; utilisez l’argot avec modération. Tout cela risque de distraire ou d’agacer votre lecteur.

7. Lisez énormément.
Faites attention aux raisons pour lesquelles certaines choses fonctionnent ou pas. Quand êtes-vous pris par l’action ? Où avez-vous arrêté de croire en tel personnage ? Ou, au contraire, quand le personnage est-il vraiment sorti de la page et comment le dialogue a-t-il permis cela ? Vous pouvez commencer à lire comme un écrivain en reprenant quelques auteurs classiques ou en prenant une anthologie et en faisant votre propre liste d’auteurs à étudier.

8. Ponctuez le dialogue correctement.
Les règles de ponctuation des dialogues peuvent être difficiles. Prenez un moment pour en apprendre l’essentiel. Un lecteur devrait se perdre dans votre prose, pas se sentir perdu en essayant de suivre votre dialogue.

Article de Ginny Wiehardt, journaliste et animatrice d’ateliers d’écriture, paru sur le site http://fictionwriting.about.com

Quand vous faites appel aux sens de vos lecteurs en explorant le goût, le toucher, l’ouïe, la vue et l’odorat dans votre écriture, vous créez une image physique, un lien auquel vos lecteurs peuvent s’accrocher sur le plan matériel. Avez-vous déjà lu un passage qui décrivait un repas délicieux et vous êtes-vous soudainement rendu compte que vous saliviez avec appétit ? Nos sens sont encore plus puissants que nos mémoires cognitives. Mentionnez l’odeur de quelqu’un fumant une pipe, le parfum de cookies récemment cuits, ou l’odeur d’une basse-cour et ces arômes emplissent soudainement l’air par magie. Vous pouvez faire appel aux sens pour donner vie à votre poésie.

Écrire une poésie qui captive
De la bonne poésie extirpe le lecteur de sa réalité quotidienne et l’emmène ailleurs, même si ce n’est que pour un instant. Une poésie bien écrite crée un instantané d’une scène, d’un événement, ou d’une situation et y attire le lecteur. L’une des premières choses que les poètes novices apprennent est la puissance des images. Une fois que vous aurez créé des images convaincantes dans vos poésies, vous devrez faire en sorte que vos lecteurs marchent à l’intérieur de ces images. La musique le fait en couplant des paroles et du son. Vous vous êtes sûrement déjà perdu dans une chanson, complètement emporté par la mélodie et la cadence. La poésie peut faire la même chose mais sans instruments. Les poètes doivent utiliser les mots pour impliquer les sens et attirer le lecteur dans une scène. (…)

Trois exercices pour écrire de la « poésie sensorielle »
Les exercices suivants commencent par la tâche simple de mettre des éléments de perception sensorielle dans vos poésies. Ensuite, ça deviendra plus stimulant : on vous demandera en effet d’aller au-delà des images qui provoquent les sens. Vous marcherez en réalité à l’intérieur des sens eux-mêmes et les résultats seront beaucoup plus dynamiques. Chacun des exercices ci-dessous peut être réalisé pour les cinq sens. Essayez-en un ou essayez-les tous. Amusez-vous avec cet exercice et n’oubliez pas de jeter un œil aux astuces en fin d’article pour avoir d’autres idées.

1. Impliquer les sens.
Écrivez un poème en utilisant un ou plusieurs sens pour captiver le lecteur. Choisissez des expressions et des images fortement descriptives et qui font fortement référence aux sens. Pour compliquer la chose, essayer d’inclure les cinq sens dans un seul poème.
2. Danser autour des sens.
Écrivez un poème qui évoque les sensations produites par un ou plusieurs sens sans utiliser de noms ou de verbes directement liés aux sens eux-mêmes. Pensez à la façon dont le mot « boom » chatouille vos oreilles et vous saisirez l’idée. Voici quelques exemples de mots à éviter : sentir, parfum, arôme, odeur, goût, toucher, ressentir, vue, voir, apercevoir, entendre, écouter, etc.
3. Être sensé.
Écrivez comme le sens lui-même. Autrement dit, vous êtes le son. Qu’avez-vous à dire au monde ? Vous pouvez personnifier les sens ou penser à eux en utilisant des métaphores pouvoir saisir leur personnalité. Cet exercice est difficile, vous pourrez donc essayer de faire quelque chose de simple et de ciblé pour commencer. Par exemple, au lieu d’écrire du point de vue du  son, écrivez comme si vous étiez de la musique.

Astuces supplémentaires
Les exercices ci-dessus vous aideront à construire un poème qui ira au-delà des images. Vous créerez une scène complète avec toutes les sensations de la réalité. Voici quelques astuces supplémentaires à garder à l’esprit pendant que vous travaillerez à faire ces exercices :
- Éviter les clichés et les expressions éculées. Pas de parfum délicat, de goût subtil, ou de doux contact. Essayez d’inventer des idées et des images originales.
- Montrer, ne racontez pas. Cela renforcera les images utilisées. Ne dites pas « l’aboiement du chien me fit mal aux oreilles » Mais plutôt « le chien hurla« .
- Utiliser un dictionnaire analogique pour trouver des adjectifs et des adverbes convaincants et rares. Ou encore mieux, renoncez aux adjectifs et aux adverbes et troquez-les contre des noms plus descriptifs et des verbes. Au lieu de « mauvaise odeur » utilisez « puer« . Échanger les expressions telles qu’ « écouter attentivement » contre des mots comme « fasciner« .

Article de Melissa Donovan, poète, rédactrice de contenu web, paru sur le site www.writingforward.com

Écriture vous fait souffrir ? C’est sans doute parce qu’aucun de nous ne naît écrivain. Nous avons tous appris à parler avant de pouvoir écrire. Les linguistes disent qu’en fait le français écrit est une langue différente du français parlé. Ceci est vrai de chaque langue. Mettre des mots par écrit change ce que vous dites car le ton de votre voix disparaît.

Ce que l’on écrit peut ne pas correspondre directement aux intonations d’un discours. Les lecteurs sont moins tolérants lorsqu’il manque des mots ou qu’il y en a trop que les auditeurs. Un discours peut avoir du sens pour un auditoire et être émouvant, mais sa transcription telle quelle semblerait choquante du point de vue littéraire, voire incompréhensible : « Et la raison… vous savez… pas que je vous le recommanderais… non, je suis sérieux…« 

Quand les étudiants ont des difficultés à apprendre une langue étrangère, c’est souvent parce que leurs professeurs considèrent la langue écrite comme primaire, alors qu’en réalité c’est la langue parlée qui l’est. Le chinois était considéré une langue incompréhensible pour les occidentaux ( »Tous ces caractères !« ) jusqu’à ce que des gens comme Henry C. Fenn et Gardner M. Tewksbury de l’Institut des Langues Orientales de Yale aient l’idée brillante d’apprendre à leurs étudiants à parler le chinois avant de leur apprendre à l’écrire. D’expérience personnelle, je peux témoigner qu’ils avaient raison. Pour moi, le chinois est plus simple et plus compréhensible que beaucoup d’autres langues, surtout parce que je n’ai jamais dû apprendre à l’écrire. Cependant, comme tous les occidentaux, j’éprouve toujours des difficultés avec les intonations, qui changent la signification des mots.

Ce qui a attiré mon attention sur l’opposition entre l’écriture et l’oralité est la question d’une lectrice prénommée Linda, qui a lu mon article le « Manuel du yiddish : 40 mots que vous devriez connaître » et a demandé : « Si une personne juive chantait, dans quelle langue chanterait-elle, en hébreu ou en yiddish ? Je pensais que l’hébreu était la langue écrite et que le yiddish était la langue parlée des Juifs, mais je n’en suis pas sûre. Merci ! »
J’ai répondu : « Les Juifs chantent d’habitude dans leur langue maternelle ; la plupart d’entre eux ne parlent couramment ni l’hébreu ni le yiddish. Mais l’hébreu est la langue officielle de l’état d’Israël et le yiddish est la langue commune des Haredim, généralement appelés Ultraorthodoxes. Ainsi il y a des chansons populaires juives dans les deux langues. Bien sûr, l’hébreu est la langue de la religion juive et elle est souvent considérée comme étant plus formelle que le yiddish, donc elle peut être utilisée pour les certificats, etc. Les chants et les prières scandées durant les offices religieux sont en hébreu et le yiddish est écrit dans l’alphabet hébreu, mais des chansons folkloriques juives de l’Europe de l’est et les chansons klezmer ont d’habitude des titres ou des paroles yiddish. »

L’hébreu est l’exemple d’une langue religieuse qui est plus lue que parlée. Selon moi, beaucoup de jeunes Juifs apprennent l’hébreu seulement pour le lire assez bien (souvent en tremblant) pour leur cérémonie de Bar-mitsva. Dans les églises d’Europe de l’est, les fidèles Orthodoxes Slaves utilisent la langue slave de l’Église, mais ils ne la parlent pas à l’extérieur. Tom Brewster, expert dans l’acquisition du langage, m’a dit que les Chrétiens Protestants conservateurs étaient capables de comprendre la Bible du Roi James de 1 611 seulement parce qu’ils étaient devenus « partiellement bilingues » en anglais Élisabéthain. On me dit que les citoyens grecs pouvaient comprendre la Bible grecque du premier siècle également.

Tout comme les Musulmans prient en arabe sans nécessairement le parler, durant des siècles les Catholiques ont prié en latin. À l’origine, la langue des offices religieux était simplement une version formelle du latin vulgaire parlé en Europe (sermo vulgaris, « le discours de gens »). Mais au cours des siècles, tandis que le latin vulgaire évoluait vers des langues comme l’espagnol, l’italien, le français, le portugais, le roumain, le catalan et le romanche, les fidèles Catholiques comprenaient de moins en moins ce que le prêtre disait. Dans les années 1960, le Vatican a autorisé les prêtres à dire la messe dans des langues locales.

Les professeurs d’écriture créative poussent souvent leurs étudiants à « Écrire comme ils parlent » et c’est un bon conseil. Votre écriture peut être amicale et conversationnelle, tout comme vos discours. Aspirez à être compris, ne cherchez pas à impressionner, tant dans votre écriture que dans vos conversations, mais comprenez que le français parlé et le français écrit sont deux langues légèrement différentes. Quand vous les mettez par écrit, vos mots pourraient même devenir plus expressifs et précis que si vous les aviez prononcés.

Article de Michael, auteur publié sur le site de Maeve : professeur universitaire d’anglais, rédactrice publicitaire, romancière publiée sous le nom de Maddox, www.dailywritingtips.com

Quoi que vous écriviez, il est important de relire et de corriger votre travail, particulièrement si vous écrivez des essais universitaires, des articles ou des nouvelles que vous soumettez aux éditeurs. Peu importe combien de temps vous avez passé à reprendre votre premier jet, vous trouverez toujours quelques erreurs à corriger.
Voici la méthode que j’ai utilisée pendant des années quand j’écrivais des essais et des histoires courtes ; je voulais m’assurer qu’ils étaient aussi bons que possible avant qu’un conférencier ou un éditeur ne les lisent !

Ne rien faire (pendant un jour ou deux)
Mettez votre travail de côté pendant quelque temps. Rédigez votre premier projet mais ne le révisez pas immédiatement, commencez plutôt à rédiger directement la partie suivante. Vous porterez un regard neuf sur votre travail si vous le laissez reposer un peu. L’un de mes collègues disait : « Laissez vos écrits décanter un moment. Soit vous les trouverez meilleur après que vous avez dormi dessus, soit vous les trouverez moins bon, mais au moins vous saurez. »
Pour les essais, un jour de repos minimum est nécessaire. Les nouvelles peuvent parfois avoir besoin de plus de temps. Votre cerveau continuera à travailler sur vos idées pendant que vous ferez autre chose. Et beaucoup de romanciers conseillent de mettre un roman de côté pendant au moins un mois avant de débuter le processus de révision.

La relecture
Relisez entièrement votre texte très rapidement. Entourez toutes les erreurs typographiques et toutes les fautes que vous verrez mais concentrez-vous sur la vue d’ensemble du texte. Si c’est un essai, vérifiez qu’il n’y ait pas d’incohérences et que vous n’ayez pas oublié de prendre en considération certains arguments. Si c’est une nouvelle, demandez-vous si certains passages ne sont trop longs ou trop courts, s’il y a des incohérences dans l’histoire ou dans les personnages.
C’est au cours de cette étape qu’il faut régler les gros problèmes. Je réécris souvent un texte en entier (particulièrement quand je travaille sur de la fiction), en recommençant tout depuis le début à partir d’un document vierge que j’ouvre sur mon ordinateur. Si vous êtes meilleurs que moi pour réussir du premier coup, il est possible que vous n’ayez pas besoin de faire cela, mais vous vous pourriez également vous surprendre à couper des paragraphes entiers, à ajouter de nouvelles choses ou à changer l’orientation d’un texte.
Après avoir fait cela, il est conseillé de demander à un ami, à un camarade de classe ou à un collègue de lire votre texte. Dites-lui de ne pas s’attarder sur les petites erreurs comme les coquilles ou les phrases maladroites pour le moment : demandez-lui s’il pense que c’est bien dans l’ensemble ou s’il a des réserves quant à l’orientation générale de l’article ou de l’histoire.

La révision et la modification des textes
Une fois que vous aurez arrangé votre texte en gros, vous pourrez commencer à vous concentrer sur les mots et sur les phrases individuellement. À nouveau, il est bon d’imprimer le document sur le papier et de chercher :
- Les coquilles et les fautes d’orthographe qui vous aurons échappées à l’écran (une bonne astuce est de relire « à reculons » ! Vous irez beaucoup plus lentement mais vous vous concentrerez sur chaque mot individuellement).
- Les phrases maladroites, embrouillées ou trompeuses (essayez de lire votre travail à haute voix).
- Les mots inutiles (par ex : « Je voulais juste te dire »… Le mot « juste » est inutile ici).
- Les mots prêtant à confusion.
Si vous n’êtes pas tout à fait sûrs de votre orthographe, vérifiez certains termes dans le dictionnaire (..). Si vous ne trouvez pas le mot juste, utiliser un dictionnaire analogique peut vous aider (…).

Article d’Ali, auteur publié sur le site de Maeve : professeur universitaire d’anglais, rédactrice publicitaire, romancière publiée sous le nom de Maddox, www.dailywritingtips.com

Pour écrire « Les meilleurs livres pour les enfants qui croient détester lire » (éd. Prima Publishing) Laura Backes a dû lire des centaines de livres pour enfants. De ses lectures ressortent huit éléments clés qui séduisent les lecteurs les plus récalcitrants ; elle nous les livre ici. Si vous pouvez travailler au moins trois des éléments énumérés ci-dessous dans votre livre, il aura une bonne chance d’être aimé par tous les enfants, même par ceux pour qui la lecture est une corvée.

Choisir des éléments pertinents pour les enfants.
Pour les auteurs de fiction, ce conseil s’applique aux thèmes et aux idées qui formeront la base de leur intrigue. Pour les œuvres ne relevant pas de la fiction, cette astuce concerne la façon dont l’auteur abordera le sujet qu’il choisira de traiter. Les idées évoquées devraient être pertinentes et utiles ; elles devraient pouvoir s’appliquer à la vie du lecteur. Au lieu de raconter au lecteur une histoire qui lui dise ce qu’il doit savoir en lui transmettant une leçon de votre point de vue d’adulte, essayez d’utiliser le cadre de référence de ce lecteur comme point de départ. Écrivez pour les enfants et non aux enfants. Et rappelez-vous que les livres peuvent se permettre d’être juste divertissants.

Adapter son texte à son public.
Selon l’âge et le niveau du lecteur, le texte doit présenter un défi, sans être toutefois écrasant. Efforcez-vous d’écrire votre histoire de la façon la plus claire possible ; utilisez des phrases formulées à la voix active ainsi que des noms et des verbes concrets. Si vous écrivez pour des lecteurs récalcitrants dont la tranche d’âge est large (8-12 ans par exemple), utilisez un vocabulaire accessible aux plus jeunes tout en suscitant l’intérêt des enfants les plus âgés de ce spectre.

Faire une présentation unique.
Les lecteurs récalcitrants préfèrent souvent les œuvres non fictives aux œuvres de fiction car elles traitent de sujets qui correspondent à leurs intérêts personnels. Trouver un angle nouveau ou inhabituel pour aborder votre sujet contribuera à maintenir cet intérêt vivant. De l’humour ne fait pas de mal non plus. Dans « C’est dégueulasse » et « Nous en avons mangé ! De vraies histoires de nourriture du monde entier », James Solheim attire les lecteurs par leur goût des grossièretés tout en introduisant subtilement des éléments historiques à côté.

Attirer par la vue.
Les auteurs n’ont généralement pas leur mot à dire sur la conception d’un livre, mais les auteurs/illustrateurs le peuvent. Les polices à grands caractères, l’utilisation généreuse d’espaces blancs et les illustrations apportant des précisions sur le texte, aident à briser le carcan des mots et à rendre le livre moins intimidant à lire.

Article de Laura Backes, auteur et éditrice du Children’s Book Insider, paru sur le site http://children.fictionfactor.com

Soyons réalistes: certains enfants n’aiment tout simplement pas lire. De plus en plus, les parents, les enseignants, les bibliothécaires et les éditeurs sont à la recherche de livres qui plairont aux lecteurs récalcitrants. Pour écrire « Les meilleurs livres pour les enfants qui croient détester lire » (éd. Prima Publishing), j’ai dû lire des centaines de livres, anciens et récents, que je pensais pouvoir correspondre à mon projet. J’ai alors découvert qu’il y a huit qualités que possèdent les grands livres pour lecteurs récalcitrants et, à ma grande surprise, certains des favoris de mon enfance ne passaient pas le test. Si vous pouvez travailler au moins trois des éléments énumérés ci-dessous dans votre livre, il aura une bonne chance d’être aimé par tous les enfants, même par ceux pour qui la lecture est une corvée.

L’humour.
Faire rire les enfants est essentiel à l’élaboration d’une œuvre agréable à lire. Mais il vous faut comprendre ce qui fait mourir de rire des enfants d’âges différents. L’humour dans les livres d’images est vaste et très visuel. Les livres simples (et les livres d’images pour les enfants de 6 ans et plus) commencent par introduire de l’humour verbal: des jeux de mots, des calembours, des sous-entendus. Tandis que les enfants naviguent entre les chapitres d’un livre, ils peuvent comprendre les plaisanteries requérant une certaine mise en place et des conséquences qui se suivent sur plusieurs scènes. Les dialogues, la façon dont les personnages interagissent ou la situation dans laquelle un protagoniste se trouve peuvent être sensiblement drôles.

Des personnages bien définis.
Beaucoup de jeunes veulent pouvoir s’identifier fortement aux personnages de leurs livres ; pour les lecteurs récalcitrants, cela est essentiel. Peu importe l’apparence extérieure du personnage (que ce soit un extraterrestre, un clown ou une grenouille qui parle), il doit adopter intérieurement le point de vue du lecteur. Cela signifie que le personnage doit faire face à des questions auxquelles le lecteur pourrait être confronté ou voir le monde de façon enfantine. Les protagonistes doivent avoir une personnalité à plusieurs facettes, avec ses forces et ses faiblesses, pour que le lecteur se soucie d’eux et veuille les suivre jusqu’à la fin de l’histoire. Dans les œuvres non fictives comme les biographies, les auteurs qui trouvent un élément de la vie de leur héros pertinent pour le public cible ont de meilleures chances d’atteindre les lecteurs réticents.

Une intrigue rythmée et haletante.
Une histoire qui met quelques chapitres à s’installer ne dérange pas les enfants qui aiment lire, mais elle rebute les lecteurs moins patients. L’action doit commencer au premier alinéa et, à la fin du premier chapitre, le lecteur doit connaître un peu le personnage principal et avoir une bonne idée de la situation ou du problème auquel le héros est confronté. Les intrigues secondaires conviennent aux livres assez longs, mais s’il y en a trop, cela empêchera les enfants de suivre l’évolution de l’histoire. Tenez les enfants en haleine.

Des chapitres concis.
Idéalement, chaque chapitre devrait contenir un seul événement (ou un point précis pour les œuvres non fictives) et sa propre structure interne (un début, un milieu et une fin). Cela fait de la lecture d’un seul chapitre une expérience satisfaisante en soi. Les chapitres qui finissent sur un grand moment d’action donneront au lecteur l’envie de savoir ce qui se passe ensuite. Les romans dont les chapitres en eux-mêmes constituent une histoire courte sont aussi de bons paris pour lecteurs récalcitrants. (…)

Vous trouverez les quatre autres éléments clés des livres qui séduisent les lecteurs les plus récalcitrants dans la deuxième partie de cet article.

Article de Laura Backes, auteur et éditrice du Children’s Book Insider, paru sur le site http://children.fictionfactor.com